Robert Irwin, un célebre artista del sur de California asociado con el movimiento Luz y Espacio de la década de 1960, que desde temprano dejó de pintar para crear ambientes artísticos efímeros y a veces intangibles, murió el miércoles en la sección de La Jolla en San Diego. Tenía 95 años.
Su muerte en el Scripps Memorial Hospital se debió a una insuficiencia cardíaca, dijo Arne Glimcher, fundador y presidente de Pace International Gallery, que muestra el trabajo de Irwin desde 1966. El señor Irwin vivía en San Diego.
En el mundo del arte contemporáneo, el trabajo de Irwin sobre la atención y la percepción humanas (al que llamó, en referencia a la investigación científica, una “investigación” sobre la percepción) ha sido enormemente influyente; Ganó el premio MacArthur “Genius” en 1984.
Pero la obra no fue muy visible para el público. Hasta finales de los años 1970 no permitió que sus proyectos fueran fotografiados. Durante mucho tiempo ha gravitado hacia obras específicas de un lugar que eran de naturaleza temporal, como cuando dibujó un cuadrado en el suelo con una cuerda en la Bienal de Venecia de 1976.
Incluso con sus obras más duraderas, como su diseño del jardín del Getty Center en Los Ángeles cuando se inauguró en 1997, o su trabajo como planificador maestro detrás Tocino Diya Museo en el estado de Nueva York que se inaugurará en 2003. Su obra puede ser difícil de reconocer. (Puede resultar difícil, por ejemplo, distinguir exactamente lo que contribuyó a la renovación del edificio Zia de lo que descubrió en el lugar).
Pero este tipo de análisis puede no venir al caso. Irwin definió su objetivo -y el objetivo principal del arte moderno en general- como despertar los poderes de observación y concentración de los espectadores para que se conviertan en participantes activos de la experiencia.
“El trabajo de Irwin no trata sobre un medio en particular, por lo que puede pintar un jardín, o un trozo de tela, o un trozo de cuerda en el suelo”, dijo el escritor Lawrence Weschler, quien a veces hizo que el trabajo de Irwin fuera ambiguo. Su enfoque filosófico para hacer que el arte sea accesible para todos se encuentra en su libro “Ver olvida el nombre de lo visto” (1982).
“Dicho esto”, continuó el Sr. Weschler, “hay una coherencia de rayo láser en su proyecto principal a lo largo de su carrera: tratar de hacer que las personas se den cuenta de cómo se ven”.
O, como le dijo el Sr. Irwin a Hugh Davies, entonces director de Museo de Arte Contemporáneo de San DiegoEn una entrevista de 2007: “El tema puro del arte es la percepción humana. Una vez que tienes esa actitud, cambian todas las reglas del juego en términos de lo que haces y cómo lo haces.
Robert Walter Irwin nació el 12 de septiembre de 1928 en Long Beach, California, hijo de Overton y Goldie (Underberg) Irwin. Su padre dirigió una empresa contratista que floreció en la década de 1920 pero fracasó durante la Depresión, cuando Irwin era niño. Más tarde, Overton trabajó para el departamento local de agua y energía.
Bob Irwin creció en el área de Baldwin Hills en Los Ángeles. Cuando se graduó en Dorsey High School, algunos de sus primeros intereses, como la pintura, los hot rods y las apuestas a caballos en el hipódromo de Hollywood Park, eran evidentes. (Cuando las ventas de arte no pagaron las cuentas, las apuestas en la pista ayudaron).
Después de unirse al ejército y pasar un tiempo en Europa, Irwin regresó a Los Ángeles y se matriculó en una serie de escuelas de arte. Pero se aburrió del trabajo del curso. Lo más significativo para su desarrollo, dijo, fue otra experiencia a mediados de la década de 1950: pasó ocho meses solo en una cabaña en Ibiza, que en ese momento era poco más que una isla desierta frente a la costa de España, sin hablar con nadie. .
Durante este período de reflexión y de vaciar su mente de pensamientos, el Sr. Irwin descubrió un aburrimiento insoportable y una serenidad total. Y fue este tipo de intensidad, una vez que regresó a Los Ángeles, lo que le valió a este artista relativamente inexperto un lugar en 1958 en la legendaria Galería Ferus, lo que ayudó a lanzar a artistas locales como Ed Ruscha y Billy Al Bengston, así como a otros nuevos. La estrella de York Andy Warhol.
El estilo de Irwin a finales de la década de 1950 consistía en grandes pinturas expresionistas abstractas de segunda generación que estaban inspiradas, admitió, en Bengston. Eso pronto cambió: el desarrollo de Irwin en la década de 1960, que a menudo describió como un vaciamiento estilo Zen del plano de la pintura, culminó con su abandono total de la creación de imágenes.
El primer paso, decía a menudo, fueron sus pinturas lineales, un intento de reducir las “distracciones accidentales” haciendo un número cada vez más limitado de gestos a través del lienzo. Luego vinieron las llamadas pinturas de puntos, que tenían un tema menos definido, donde los puntos pintados se extendían por el lienzo como algo invasivo por naturaleza.
Luego comenzó a hacer Curved Discs: paneles tridimensionales hechos de aluminio o acrílico que parecen flotar etéreamente en la pared.
En 1969, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles invitó al Sr. Irwin a contribuir a su Programa de Arte y Tecnología, que reunía a artistas y académicos. El señor Irwin preguntó. Dr. Edward Wuertz de Garrett Aerospace Corporation y James Turrell, un colega artista de la luz y el espacio, como sus colaboradores. Realizaron experimentos de privación sensorial en la Universidad de California, Los Ángeles, y tomaron abundantes notas.
Pero antes de que se pudiera realizar cualquier obra de arte, Turrell se retiró del proyecto y él y Irwin dejaron de hablarse durante décadas. También hicieron todo lo posible en las entrevistas para distinguir el trabajo de un hombre del de otro.
“La diferencia entre Turrell y yo, que deja la habitación vacía, es que Turrell te hará quitarte los zapatos y eso se convierte en un ritual para él”, dijo Irwin en una entrevista de 2007.
“Creo que es justo”, dijo Turrell en una entrevista inédita unos años más tarde, refiriéndose a sus viajes a Japón, donde “no fue gran cosa quitarse los zapatos allí”.
“Además, si tienes una granja y limpias las cosas sucias en la antesala o en el vestíbulo, realmente puedes mantener la casa limpia”, continuó. Tiene connotaciones útiles, además de las meramente visuales.
Finalmente, los dos artistas continuaron hablando. “Lo que pasó fue mi culpa”, dijo Turrell. “Había celos de mi parte, siendo el artista más joven. Llevaba más tiempo exponiendo y ya tenía su propia galería y exposiciones. Sentí que mis ideas eran tan buenas como las suyas, pero no tenía la misma facilidad para exponer. “
De hecho, las exposiciones en museos, incluso aquellas que se centran en salas casi vacías, llegaron temprano a Irwin y nunca volvió a pintar.
En 1970, remodeló el espacio restante del Museo de Arte Moderno de Nueva York con unos pocos gestos sencillos, incluida la renovación de las lámparas y la suspensión de una malla del techo.
En 1975, en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, transformó una habitación vacía pasando una ancha franja negra por el suelo para completar un rectángulo formado por bordes negros en la parte inferior de las paredes de la otra habitación. En 1980, reemplazó la fachada de una galería en Venecia, California, con un marco blanco, mostrando de hecho la galería en lugar de cualquier cosa dentro de ella.
A pesar de algunos desafíos obvios, los museos han logrado coleccionar las obras de Irwin. En particular, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, que celebró una importante muestra de su obra en 2007, se ha convertido en el hogar de una colección incomparable de unas 55 obras, incluidas docenas de dibujos y 10 instalaciones. Uno de ellos está empotrado en las paredes del museo. Sucursal del Museo La Jolla: Llamado 1°2°3°4°, consta de tres rectángulos que el Sr. Irwin cortó en las coloridas ventanas del museo que dan al Océano Pacífico, trayendo brisa marina, aromas y luz directamente al museo como parte de la experiencia.
En 2020, cuando tenía 91 años, Irwin realizó una exposición llamada “Unlights” en la Pace Gallery de Manhattan, exposición que llamó su “canto del cisne”. Incluía ocho nuevas obras escultóricas, que consistían en lámparas fluorescentes de dos metros de altura, montadas en la pared en filas verticales y envueltas en capas de geles teatrales. “Los resultados son bastante fascinantes y cada vez más desconcertantes”, escribió Weschler en el New York Times.
Irwin también ha probado suerte en proyectos públicos de alto perfil, como el diseño de aeropuertos, parques y monumentos urbanos. La mayoría de ellos no se lograron por razones de presupuesto o planificación, pero completó algunas obras de gran envergadura.
Después de 15 años y múltiples iteraciones, transformó el sitio de un hospital militar abandonado en las afueras de Marfa, Texas, propiedad de la Fundación Chinati, en una instalación de cabaña definida por filas de ventanas y una serie de ventanas. El ella Inaugurado en 2016. Película Documental 2023”Robert Irwin: Desierto del sentimiento puro Utilizando un vídeo time-lapse de la construcción, presenta el proyecto como la culminación de su experimentación con la luz.
Le sobreviven su esposa, Adele (Feinstein) Irwin; Su hija, Anna Grace Irwin. y su hermana, Patricia Keenan.
El jardín del Sr. Irwin en el Centro Getty es ahora una atracción turística popular, hasta el punto de que algunos fanáticos dicen que eclipsa la colección de arte que contiene. Irwin, que nunca da por sentado el jardín, dispuso las plantas en orden de complejidad creciente, teniendo en cuenta también el color. El Describió su obra como “una escultura de jardín que aspira a ser arte”.
Alex Tropa Contribuyó a los informes.
